Arte en palabras

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domingo, 6 de noviembre de 2016

Yo también quiero cobrar un cachet

En el mundo de la cultura, no vale lo mismo el trabajo de la/el Artista Visual, el de un/a escritor, el de una actriz, un actor, un/a cantante, un/a bailarín/a, y ni hablemos si es mujer.

A la hora de empezar una profesión dentro del mundo de la cultura, toda/os pagamos el llamado “derecho de piso”, trabajamos a ad honorem (es decir en buen criollo, trabajamos gratis), creemos que de esa manera, nos van a empezar a abrir las puertas, y puede ser que sea así, pero no es igual para toda/os aquella/os que formamos parte del mundo de la cultura.

Un/a cantante después de un tiempo empieza a cobrar un cachet (termino francés, que se refiere a la cotización de ese artista) por sus actuaciones, aunque el dinero recibido sea poco, cobra, pasa igual con las actrices y los actores y la/os bailarín/a es, seguramente me dirán que muchas veces montan sus propios espectáculos, pero también sabemos que cobran una entrada, que puede llegar a cubrir los gastos, del show, a veces logran ir de gira y eso también contribuye a la retribución lógica que un/a artista debe recibir por su trabajo, y ni hablar de la prensa que suele brindar más espacio en los medios a esos rubros de la cultura, que a la/os escritores y por último a la/os artistas visuales.

Es distinto en el caso de la/os escritores, primero deben encontrar una editorial que les publique, para luego cobrar un porcentaje de la venta del libro, en la actualidad son muchos la/os escritora/es que publican en forma independiente, de esta manera gestionan su trabajo y cobran por su obra sin intermediarios, también sabemos que mucha/os escritora/es cobran un cachet, cuando se presenta en algunos espacios.

Qué pasa con la/os artistas visuales (pintora/es, fotógrafa/os, escultora/es, grabadora/es), la realidad es que seguimos pagando a lo largo de nuestra carrera, salvo casos excepcionales que son invitada/os y ponen todo a disposición, de la/el artista, debemos pagar el espacio para exponer, debemos pagar una comisión para vender nuestras obras, debemos pagar para participar de una convocatoria, en la que sólo a veces nos entregan unos cuantos catálogos impresos y gracias.

Estas (des)igualdades no son nuevas, si son cada vez más (des)iguales, la/os artista visuales, pagamos por todo, dentro del mundo del arte, todos quieren una porción del dinero, aunque el dinero que sale, no es el mismo que entra, y tampoco garantiza, que el pagar por participar en muestras, ferias de arte, galerías de arte de mayor visibilidad a la obra de la/el artista.

La pregunta que me hago es si un/a cantante, actriz/actor, bailarín/a, hasta la/os escritora/es cobran un cachet por sus presentaciones o cubren sus gastos para los mismos, por qué no es igual para la/os artistas visuales, que muchas veces son invitada/os a exponer en espacios alejados de su ciudad y a la hora de negociar, aunque más no sea el traslado de la obra, esto se vuelve incompatible, le dicen -que no hay presupuesto-, pero a la hora de contratar un/a cantante, actriz/actor, bailarín/a, si aparece el presupuesto... ah.. si ya se cuál es la diferencia, el poder que da el escenario, a la hora de la presentación, no es lo mismo subir a un escenario, para un Jefa/e Comunal, Director/a o Secretaria/o de Cultura, que hacer una presentación en una sala, sólo para seguidores de las artes visuales, el poder del escenario atrae más público, por ende pueden dar un discurso más amplio, al hablar ante un grupo reducido no es igual. Ésto no implica que no se hagan negocios con algunas muestras de arte, el negocio del arte tiene sus caminos secretos.

No será el momento en que la/os artistas visuales empecemos a cobrar un cachet , y no seguir pagando por exponer en sitios que muchas veces están cerrados y sólo se pueden visitar un par de horas por día, y ni hablar de que muchas veces algunas obras no pueden ser montadas ya que se prohíbe ésto o aquello, por qué no exigir que si quieren nuestras obras, sería bueno que se ocupen del traslado de la misma, diseño de catálogos y difusión, en el 80% de los casos somos la/os artistas que nos ocupamos de todo; me parece que el nuevo debate que debemos dar la/os artistas visuales es como hacer valer nuestro trabajo.

Como referencia importante, no puedo dejar de decir algo que repito hasta el cansancio, las Mujeres Artistas seguimos siendo las más perjudicadas en el mundo y en el mercado del arte, las (des)igualdades siguen siendo las mismas a pesar de tantos años de Historia del Arte, sin mencionar que cada vez somos más las Mujeres Artistas formadas y creadoras de arte, todavía el mercado del arte sigue valorando más al artista hombre, en detrimento de la mujer.

Stella Maris Leone Geraci

Artista Feminista, Artivista

http://criticadeobra.blogspot.com

miércoles, 12 de octubre de 2016

Toco y me voy en el arte - Hoy responde Mabel Carral, Artista

Toco y me voy en arte – Hoy responde Mabel Carral, Artista

Basado en el cuestionario Proust

1- ¿Cuando fue la primera vez (en el arte)?

En contacto sistemático a partir de los 8 años. Antes seguro como cualquier niña.

2- ¿En que periodo del Arte te hubiera gustado nacer?

Sin duda entre el postimpresionismo y las vanguardias artísticas del siglo XX (caigo en que es la época de mis abuelos)

3- ¿Cual es el Artista Masculino que más te gusta del mundo del arte?

Marcel Duchamp

4- ¿Cual es el Artista Femenino que más te gusta del mundo del arte?

Frida khalo

5- ¿Que otra profesión tendrías si no fueras Artista?

Abogado

6- ¿Que Artista te hubiera gustado ser, si no fueras vos?

Toulouse Lautrec

7- ¿Tu color favorito?

Violeta

8- ¿Cual es el artista que menos te gusta?

Fernando Botero

9- ¿Que obra de arte te hubiera gusta hacer vos?

El Guernica

10- ¿Con que técnica te sentís más cómoda/o?

Esgrafiado

11- ¿Que profesión no tendrías si no fueras Artista?

Comerciante

12- ¿Cual es tu mayor temor cuando armas una muestra / una presentación?

No contar con la infraestructura necesaria

13- ¿Cuando está para vos terminada una obra?

Cuando la obra te deja. No sos vos quien da por culminada la obra, sino que la obra en un momento te desprende de ella para ser por sí sola.

14- Nómbrame cuatro artistas, vivos o muertos, no importa la época, que sentarías a tu mesa en una cena.

Modigliani, Caravaggio, Frida y Carpani

15- ¿Si existe el cielo que Artista te gustaría para darte la bienvenida y que te gustaría que te dijera?

Leonardo Da Vinci: - Lo siento el cielo no es como en mis obras -

*Sobre Mabel Carral

Es Prof. en Artes Plásticas con orientación Escenografía y Prof. En Historia de las Artes Visuales (FBA- UNLP) Actualmente lleva a adelante la Maestría en Historia y Memoria (FaHCE- UNLP) y el Doctorado en Arte Contemporáneo Latinoamericano (FBA- UNLP).

Ha realizado diversos seminarios de posgrado y cursos de capacitación y perfeccionamiento en las áreas: Artes, Estética, Educación artística, Filosofía contemporánea, Historia y Memoria, entre otras. Se desempeña como Prof. Jefe de Trabajos Prácticos en la asignatura Estética / Fundamentos estéticos (FBA- UNLP) Integra proyectos de investigación en el marco del Programa de Incentivos en la FBA (UNLP) y es docente investigadora Categoría IV; de voluntariado en la FTS (UNLP). Ha recibido Premios por su labor artística. Se desempeña como ilustradora en la Revista de la ONG Nuestros Derechos – Igual de Oportunidades, San Martín, Buenos Aires. Ha participado con carácter de expositora en diversos Congresos, Encuentros y Jornadas tanto nacionales como internacionales. Es autora de capítulos de libros en las áreas: Estética Contemporánea e Investigación artística. Ha publicado diversos trabajos en Revistas, actas de Congresos y Jornadas nacionales e internacionales. Ha dirigido distintos proyectos artísticos.

Stella Maris Leone Geraci

Artista Plástica, Fotógrafa, Escritora

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miércoles, 14 de septiembre de 2016

Tres preguntas, hoy responde Claudia Susana Díaz

Con motivo de su próxima muestra Mirame, Mirame, Mirame, que realiza junto a María Laura Costantini, le hice tres preguntas, sobre arte.

Mirame, Mirame, Mirame, ¿Es un llamado de atención para que te miren o es un mirarte desde lo interno y personal?

Mirame como sinónimo de detener por un instante el vértigo de lo cotidiano. Como vivencia de un tiempo fuera del tiempo. Mirame y te miro como un acto comunicativo de interacción social. Mirame dice la obra. Mirá más allá de mí, mirá tu interior e identifica si algo de lo que expreso te moviliza o podés reconocer como propio en tu ser íntimo. Algo que confronta y te transforma. Tres instancias del *MIRAR* que se corresponden a los tres momentos del arte que según Hans – Georg Gadamer son la fiesta, el juego y el símbolo.

¿Cómo ves el arte en el contexto social que vivimos?

El panorama del arte es un fenómeno bastante heterogéneo, hay gran diversidad de expresiones, está en cada actor del campo orientar su trabajo en la dirección que le dicte su conciencia. Hay artistas que hacen una carrera fulminante, son elegidos, entran al mercado, acrecientan su patrimonio económico engrosando su cuenta bancaria sin detenerse en lograr producciones de buena calidad estética. Un hecho que me resulta poco simpático es la venta de obras de artistas fallecidos a precios exorbitantes, que han sido privados en vida de gozar de ese beneficio. Otros son brillantes y transitan en las sombras, lo cual no es restarle mérito con mi humilde opinión, sino todo lo contario. Hacen su tarea a conciencia .Otro fenómeno que observo son los llamados bombos mutuos entre curadores y artistas; unos y otros se necesitan, y realmente no siempre son obras de calidad estética, pero se mueven en un círculo de élite y eso ya es suficiente. Creo que hay una profunda carencia de políticas culturales que permitan a los artistas poder desarrollar su carrera con mayores posibilidades tanto en la producción de sus obras como en la llegada de las mismas al público espectador. Esas mismas políticas culturales valen también para quienes son espectadores, en lo que respecta no sólo a gozar del arte en mayor cantidad de ámbitos públicos, sino también en poder discernir entre obras de calidad estética y aquellas que son meramente comerciales. Además hay poca o ninguna cultura de compra de obra y se observa el fenómeno de quienes optan por ser poseedores de láminas cuyo enmarcado es más caro que obras originales de pequeño tamaño, factibles de comprar en subastas de arte argentino. Desarrollar y dar un lugar de mayor relevancia en la educación escolar a prácticas creadoras sería muy beneficioso para el desarrollo individual y debería ser fundamental en los programas curriculares de políticas culturales. Vale poner atención al auge de la tecnología desde el siglo pasado al actual. Muchas obras van en esa dirección, lo que implica que los límites del arte se han corrido, ya no hay parámetros o paradigmas unificadores. Pero también estamos quienes, pincel o lápiz en mano, producimos. Los medios de comunicación masivos como herramienta de propagación del arte reemplazan esa tarea y abundan en las pantallas lo burdo, lo chabacano, lo mediocre. Reflexión y pensamiento crítico quedan anulados. A lo dicho quisiera destacar el papel de la mujer artista, tan invisibilizada por años, ocultada en los manuales de historia del arte, relegada al papel de objeto de representación, de musa inspiradora. En el contexto actual ser sujeto, o sea, productora de obra, no es tarea fácil, pero hay artistas que han demostrado con creces su talento. Sin esperar todo desde las políticas culturales de turno es loable la tarea de quienes logran desarrollar polos barriales de arte tan necesarios para el mejor desarrollo social. Es muy frustrante ver cómo muchos de esos proyectos son derribados sin miramientos por políticas conservadoras que sólo pretenden un arte burgués para beneficio o gozo de circuitos muy cerrados en los que es imposible ingresar. Poner énfasis en las actividades artísticas es la tarea, sean cuales fueren; todas son válidas como vía de comunicación para despertar conciencias, transmitir ideas, desarrollar un espíritu crítico y mejorar la calidad de vida del ser humano. Pero también exigir a quien corresponda ejecutar políticas claras de acción y producción en los programas o desarrollos culturales.

Siempre hablamos de poner el cuerpo en la obra, ¿Qué parte de tu cuerpo está en la obra?

El arte como lenguaje no verbal al servicio, entre otros fines, de la comunicación, es el medio que me permite poner en obra aquello que con palabras me es dificultoso expresar. No pretendo “poner el cuerpo” propiamente dicho en mis pinturas. Sí afirmar que mis sentidos están alertas a lo que la obra me indica. El color, la textura, la materia son los elementos que vehiculizan mis sentimientos o emociones. Como resultado, lo corporal estaría presente en los gestos que a través del pincel o la espátula permiten materializar este 'cuerpo' de obras que llamaría abstracciones gestuales emocionales. Es de mi interés continuar explorando estos procesos creativos, los que permiten 'sanar' el cuerpo y el espíritu, ambos como una unidad inseparable. El arte, la pintura, como medio de expresión pero también como herramienta con capacidad terapéutica que permite mejorar la calidad de vida.

Stella Maris Leone Geraci

Artista Plástica, Fotógrafa, Escritora

jueves, 18 de agosto de 2016

No formemos fotógrafos guachos

El siguiente texto que voy a transcribir surgió de la charla que tenía con una colega y fue muy importante para que se decidiera a aprender fotografía, fue cuando recordé que lo que tenía en uno de los libros de Sara Facio, quien lo publicó en 1992 en la recordada Revista Fotomundo y es un claro ejemplo del motivo real por el cual se debe aprender fotografía, más allá de las nuevas cámaras fotográficas, dispositivos móviles que pueden decidir por nosotros a la hora de hacer una fotografía, hay una realidad hacer click no los hace fotógrafos.

Stella Maris Leone Geraci

Artista Plástica, Fotógrafa, Escritora

No formemos fotógrafos guachos por Sara Facio

A menudo caigo en la desolación cuando advierto las diferencias de formación que existe entre los artistas de las distintas disciplinas. Simpre llego a verificar que, entre fotógrafos y pintores, por ejemplo, esa diferencia es fundamental en lo conceptual, en la información, en el conocimiento histórico.

Los fotógrafos se lanzan a tomar fotos sin otra motivación que las ganas de hacerlo. No hay cuestionamiento alguno ni sobre la naturaleza de la materia ni sobre su importancia en la sociedad. Se transforman en profesionales siguiendo por el camino del aprendizaje técnico y el comercial; es suficiente. Los aficionados o creativos se limitan a intercambiar fórmulas químicas, información sobre cámaras y accesorios, y en algunos casos llegan a comprar revistas internacionales con el fin de “buscar ideas”.

Son contados -y afortunadamente el número de va creciendo en los últimos tiempos- los que se interesan por la Historia, por conocer el trabajo de otros colegas, de los maestros anteriores o contemporáneos. Esa serie de conocimientos que son elementales cuando se abraza seriamente una disciplina. Es impensable que un pintor desconozca le nombre y la obra de Miguel Ángel, de Goya , de Leonardo; que significó el romanticismo, el impresionismo o el tachismo. Todo pintor, sublime, mediocre o malo conoce la Historia de la pintura y se nutre de ella. En la Escuela Nacional de Bellas Artes aquí en el mundo, como asignatura, se copia el estilo de los maestros para aprender su técnica. Lo mismo ocurre en literatura, escultura o cine, pero en nuestra materia parecería que el conocimiento no aportará nada. En general los fotógrafos son perfectos ignorantes de su medio y es algo que debe cambiar porque es una de las causas de su falta de crecimiento.

Cuando reflexiono sobre este tema no me refiero solamente a los aficioandos que comienzan. Me preocupa en especial quienes llevan años en el medio, tienen oportunidades múltiples para informarse, pero evidente, creen que no necesitan saber.

Este tipo de colegas son los que también ejercen el deporte de la desvalorización. Como son ignorantes no pueden valorar los esfuerzos de los pocos que contra viento y marea, desde cualquier ámbito -editorial, comercial, teórico, pedagógico, de investigación- van sumando logros para hacer una fotografía sólida con perfil nacional.

No hace mucho, mi colega Diego Goldberg escribió un panegírico sobre una empresa norteamericana que organizó una muestra de fotógrafos latinoamericanos. Gracias a ellos, según él, nosotros, los argentinos, podíamos ver por primera vez obras originales de Sandra Eleta o Sebastiao Salgado, entre otros.

Desde que vivimos en democracia, en Buenos Aires (y el interior) se ven continuamente exposiciones de nuestros vecinos de América. Lo hemos exhibido en los espacios más exquisitos, los hemos publicado en catálogos y libros, y la prensa especializada y la general se ocupó largamente de esos eventos. Lo hicimos aquí, nosotros, sin dale las gracias a los patrones del Norte, Evidentemente el fotógrafo cronista o vivía en el extranjero o miraba para otro lado.

Otro fotógrafo-cronista, Ataulfo Pérez Aznar, refiriéndose a retratos de Richard Avedon, fue contundente en afirmar que nadie había hecho un retrato tan magnífico de Jorge Luis Borges. Quizás podría decirlo un crítico extranjero, pero un argentino que conozca el trabajo de Grete Stern, Eduardo Comesaña, Alicia D'Amico o Julie Méndez Ezcurra, por nombrar algunos de quienes hicieron retratos sorprendentes de Borges, no puede desconocerlos. Si Avedon hizo retratos mediocres, fueron justamente los de Borges y García Márquez, en las antípodas de los que lo convirtieron en el maestro indiscutible que es.

Es falta de información, que queremos creer es de buena fe, le hace muchao mal medio fotográfico porque el gran público es inducido a pensar que aquí no hay buenos fotógrafos ni se hace nada por la fotografía. Le hace mal a los fotógrafos porque no estimula el trabajo de organizadores que, generalmente, no tienen patrocinantes millonarios, sino que hacen su tarea a “pulmón”.

Desvalorizar los esfuerzos ajenos es otra manera de demostrar la falta de compromiso real por la materia.

No tener interés por saber en qué momento y cómo llegó la fotografía a nuesto país; desde cuándo contamos con fotoperiodismos; qué se documentó desde que existe la fotografía en la Argentina; quiénes fuerons los mejores retratistas y cómo evolucionaron; quiénes y por qué se crearon las primeras sociedades, los primeros clubes, en qué ciudades o pueblos; cuáles fueron los hitos o avances en la visión de los creadores, es desconocer de dónde venimos, quiénes son nuestros pares, es como ser... guachos. ¿O es que nacimos del aire, de la casualidad, de la Nada?.

Desde hace muy poco en las escuelas de fotografía y en los diversos talleres que abrieron los fotógrafos más destacados se está estimulando el conocimiento de estos tópicos. Es un camino certero. Salir de la enseñanza puramente técnica y crecer hacia lo conceptual y ¿por qué no?, hacia el goce del sentido de la Vista. El mirar, el saber mirar para gozar, para llenarse de imágenes que deleiten, emocionen, que despierten ganas de ser mejores.

Los que ya se sienten grandes para ir a las escuelas o no quieres a asistir a talleres tienen múltiples posibilidades para estudiar y estar informados. Cada vez hay más libros teórico y de imágenes; revistas especializadas más jerarquizadas, notas de divulgación en medios generales; más exhibiciones de buenos fotógrafos argentinos y extranjeros; más conferencias, encuentros o congresos. Sólo hay que ser humildes y generosos con los que hacen, no esperar a que se mueran para reconocer sus logros.

Saber de dónde venimos es la primera pregunta del ser humano, la base de la filosofía. Conocer a nuestros padres, imitarlos, admirarlos es parte de la vida; también de la fotografía. No formemos fotógrafos guachos, van a ser muy desdichados y se van a sentir muy solos y desprotegidos.

Sara Facio

Fotomundo, 1992

Stella Maris Leone Geraci

Artista Plástica, Fotógrafa, Escritora

miércoles, 10 de agosto de 2016

Es tiempo de jóvenes

Si queremos un futuro mejor, lo mejor que podemos hacer es dar lugar a los jóvenes y acompañarlos en sus ideas, en sus proyectos.

El 10 de Agosto, se presentó en La Casa de Auxilio de Ramos Mejía, la Revista Colectivo Ardoino, la publicación es un medio de comunicación entre la comunidad y La Casa Auxilio, hablar de la gestión que realizan desde el área de la salud, además de los distintos talleres que se dan en la sala para los vecinos de la zona, también es un espacio donde los Jóvenes de la Casa Auxilio, están desarrollando su propio proyecto cultural y social con muestras de arte, ciclos de cine, sumar más jóvenes, sumar a la comunidad, ser un espacio alternativo desde lo social, y lo cultural, esto es lo que hacen las instituciones intermedias o deberían hacer, abrir sus puertas y acompañar, y es lo que La Casa de Auxilio está haciendo.

Como artista que vengo trabajando en la cultura, gestando en la cultura desde hace muchos años, me da un gran placer saber que hay jóvenes que están haciendo un gran trabajo, por eso cuando Julieta Pachano y Anush Ter Akopian me invitaron a decir una palabras, algo que pensé y exprese en ese momento “fue que lo mejor que me podía pasar como Artista y Gestora Cultural es saber que hay jóvenes que están haciendo un muy buen trabajo en la gestión y difusión cultural, y en mi caso personal era el momento de empezar a acompañar”.

No creo en las personas que se apoderan de un sillón, de un cargo, y no dejan lugar a otros con nuevas ideas, porqué creen que no lo van a hacer bien, porqué tienen miedo de ser desplazados del lugar, soy de las que cree que uno debe enseñar de sus propios errores a los más jóvenes, dejar que también los cometan, una también los hizo, acompañarlos y que ellos estén al frente de los proyectos, quedarse en un sillón de un cargo no es bueno para el que lo ocupa y tampoco para la institución.

Mis felicitaciones a JUCA (Jóvenes de La Casa Auxilio) por la revista y a la Casa de Auxilio por acompañar.

Stella Maris Leone Geraci

Artista Plástica, Fotógrafa, Escritora

miércoles, 3 de agosto de 2016

Soltar la obra

Hace unos días una colega de trabajo, me compartió una publicación de Leandro Piñeiro, donde regalaba sus libros de fotografía, aquellos que quedaron en sus estantes, como una manera de soltar la obra, para llegar a más personas.

Me puse en contacto con él, a través de la cuenta de Facebook, en el día de hoy fui hasta su estudio, donde no sólo pude ver parte de su trabajo fotográfico, también su trabajo como artesano, que construye pequeños objetos de madera móviles, de líneas suaves y colores brillantes, la charla nos llevó por el mundo del arte, de como construimos desde nuestro propio espacio, nuestros bocetos, el borra el boceto hasta encontrar el definitivo y yo repito hasta encontrar el último, Sara Facio, Adriana Lestido, Eduardo Longoni, Amado Becquer Casaballe, Martín Parr, Marcelo Brodsky, David Levinthal, fueron algunos de los nombres que surgieron de la breve charla, como esas charlas que van saltando de tema, de nombres y se iba hilvanando uno con otro.

Soltar la obra (le digo yo), soltar el ego (me dijo Él), muchos de sus libros se encuentran en bibliotecas de Argentina y del exterior, y muchos otros estaban todavía en la biblioteca de su estudio esperando que unas manos lo acaricien, hoja por hoja, como quien te entrega un hijo, con ese detalle Leandro me explico cada libro que me regalo “Summertine, Tiempo de verano”, “Fotografías mínimas”, por qué eso hacemos los artistas cuando regalamos una obra, nos desprendemos de hijos que parimos en algún momento, y a veces viene el momento de soltar la obra, para dejar espacio a que otros hijos puedan nacer, a que otra obra pueda ver la luz y encontrar su lugar.

Gracias Leandro Piñeiro, por tu obra, por tu tiempo.

Stella Maris Leone Geraci

Artista Plástica, Fotógrafa, Escritora

viernes, 22 de julio de 2016

Tres Preguntas hoy responde Bárbara Vil

Bárbara Vil es una Artista joven a quien aprecio y respeto, por su trabajo desde el arte, donde refleja la realidad de la sociedad actual, con motivo de su próxima muestra Paintkiller + Somos, le hice tres preguntas.

¿Qué es Paintkiller + Somos?

Painkiller + Somos es la unión de dos exposiciones distintas en una misma fecha. Por un lado “Painkiller” me pertenece a mí (Bárbara Vil.) y es una serie de obras que realicé en este mismo año (2016) en la cual expreso mi preocupación por la creciente necesidad de la sociedad por evadir la realidad, los sentimientos; y en esto la acción de los antidepresivos o calmantes, o “painkillers”, que pueden ser tanto los que se venden en una farmacia como los de uso cotidiano (la tv, las relaciones pautadas por la sociedad como “correctas” o “necesarias”, etc.). Por el otro lado está “Somos”, que pertenece a Micaela Taboada, una colega artista con quien compartimos varios proyectos últimamente (entre ellos este), que presenta su serie, también realizada este año, y trata acerca del afán de los individuos por perpetuarse en lo virtual, como realidad paralela en la cual depositarse por siempre.

A la par de las obras que serán expuestas en paredes, la obra una vez más cobrará vida en una instalación que concluirá con una experiencia de net.art. Lo que más nos importa es que la gente interactúe con la obra, se vaya pensando y que además se lleve una anécdota.

¿Cómo definirías tu obra hoy, en el mundo del arte?

Con respecto a mi obra personal, siento que cada día me acerco más a lo que es arte efímero, ya sea performance o instalación, también intervención. Sin embargo no pierdo el interés por la obra que va colgada en una pared o sobre una mesa; También me encargo de expresarme en esos soportes, pero veo más eficaz a la hora de comunicar lo que intento expresar el unificar las técnicas más clásicas con las más modernas y así envolver al público en una experiencia que traspase la exposición de cuadros. Me resulta interesante también incluir otras disciplinas artísticas como la música, lo audiovisual, lo teatral, etc. Porque en el medio se trabaja con otros artistas muy talentosos y se aprenden muchas cosas nuevas, también se abren muchos caminos. Comencé con esta metodología el año pasado en mi muestra “VERBORRAGIA” y apuesto a algo similar este año con “Painkiller”, en donde no usaré los mismos recursos que el año pasado, pero sí llevaré a cabo una vez más este concepto de unificar disciplinas artísticas.

Vivimos en una época en la cual el arte ya no es tan clasificable en disciplinas; todo confluye en una red de posibilidades, más ahora con los avances tecnológicos. Debemos aprovechar eso para atraer a un público más amplio y no tan reducido como suele ser el del arte visual; Hacer interactuar a las personas en una experiencia distinta y a través de ello intentar comunicarles una idea deja resultados emocionantes muchas veces.

¿Hablame de JAEBA (Jóvenes Artistas Emergentes de Buenos Aires?

JAEBA es otro de los proyectos que compartimos con Micaela Taboada. Surgió de la idea nuevamente de unificar distintas disciplinas artísticas en un mismo evento, y de la inquietud por acompañar a muchos artistas en su primera experiencia mostrando su arte al mundo externo. Con respecto a esto último cabe aclarar que en mi caso en particular, di mis primeros pasos en el mundo del arte gracias a la ayuda y enseñanza de Stella Maris Leone Geraci (quien hoy me entrevista, y estoy muy agradecida por su apoyo de siempre) que me impulsó a atreverme cada vez a más, y quien me explicó lo que debía saber para poder salir sola a buscar mi propio camino. Tomando esto de ejemplo y como forma de retribuir lo que en su momento a mí me dieron sin interés detrás, sólo por amor al arte, es que decido transmitir algunos de esos conocimientos a los artistas que llegan a JAEBA a exponer por primera vez, a mostrar su arte al público.

Micaela y yo, como mediadoras entre el espacio cultural y los artistas, nos encargamos de generar un espacio gratuito y profesional para que ellos puedan desenvolverse sin problemas y mostrar su arte al público. A su vez ofrecemos a los mismos formas de redituar económicamente los gastos producidos por la producción artística y de ganancia a través de puestos de trabajo, comisiones y dándoles gratuitamente espacio para vender sus objetos de arte libremente.

Stella Maris Leone Geraci

Artista Plástica, Fotógrafa, Escritora

stellamarisleonegeraci@gmail.com

viernes, 8 de julio de 2016

Mitominas, 30 años después

Hace 30 años, Mitominas se exponía por primera vez, hace 30 años años la vi por primera vez, hoy Mitominas se vuelve a exponer y yo volví a ver la muestra.

En 1986 Mitominas fue una muestra que hablaba del mundo del mujer, la mitología, era algo más que una muestra de arte, era la fusión de todas las artes, plásticas, escénicas, dos años después se realizó una segunda muestra donde se habla sobre la violencia de género, el sida, eran tiempos de democracia y se podía hablar de todo, cada muestra tuvo un trabajo de preparación de un año, en conjunto con toda/os la/os protagonistas.

En mi caso personal fue el primer acercamiento de una muestra que hablaba de la mujer, del sida, de la violencia de género, fue una de esas muestras que hizo un punto de inflexión en mi obra, con los años empecé a trabajar con la temática de la mujer y de género, es el mismo Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires), que en esos años se llamaba Centro Cultural de la Ciudad y dirigía Osvaldo Giesso (Arquitecto, Argentino), a modo de homenaje se vuelve a rearmar la muestras con alguna/as de la/os artistas originales y otras incorporaciones nuevas, a modo de homenaje personal volví a ver Mitominas, después de 30 años, una muestra de la que suelo hacer referencia a mis alumna/os.

La muestra se puede visitar hasta finales de Julio en el Centro Cultural Recoleta, Sala 4, con entrada libre y gratuita.

Stella Maris Leone Geraci

Artista Plástica, Fotógrafa, Escritora

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